William Wyler

 

William Wyler

1º de julio de 1902 – 27 de julio de 1981

Mulhouse, Alsacia – Beverly Hills, California

 

Fue un director de cine estadounidense nacido en Alemania.

Su padre era suizo, lo que le otorgó automáticamente la ciudadanía suiza. En su juventud, Wyler era conocido por ser un alborotador y a menudo se metía en problemas, siendo expulsado de la escuela en más de una ocasión por su comportamiento.

El padre de Wyler tenía una mercería y, tras la Primera Guerra Mundial, Wyler empezó a trabajar en París vendiendo camisas y corbatas. No era muy bueno en el trabajo y no le interesaba en absoluto. Su madre contactó con su primo lejano, el fundador de Universal Pictures, y le consiguió un trabajo en Nueva York.

Tras trabajar brevemente como mensajero en Nueva York, Wyler se mudó a California para convertirse en director. Durante su trayectoria, trabajó como ayudante de escena y asistente de montaje hasta que tuvo su gran oportunidad en 1925, cuando fue el tercer asistente de dirección de una película.

Para 1928, Wyler se nacionalizó estadounidense y se convirtió en el director más joven en la historia de Universal Pictures. Inicialmente, dirigió westerns, producciones por las que Universal se hizo famosa. Ese mismo año, dirigió su primer western. Posteriormente, dirigió una serie de películas, dejando Universal a mediados de la década de 1930 para trabajar con Samuel Goldwyn.

Wyler tenía un toque especial en cuanto a las estrellas de sus películas. Laurence Olivier, a quien Wyler dirigió en Cumbres Borrascosas, recibió su primera nominación al Oscar por su trabajo en la película y le atribuyó a Wyler el mérito de haberle enseñado a actuar en la gran pantalla. Esto a pesar de que Olivier y Wyler chocaron en múltiples ocasiones. A pesar de haber dirigido a muchas estrellas como Barbara Streisand y Charlton Heston a nominaciones y premios al Oscar, Wyler a menudo ofrecía indicaciones poco útiles. En una ocasión, durante el rodaje de Ben Hur, Charlton Heston le preguntó a Wyler qué fallaba en su actuación y cómo podría mejorarla, a lo que Wyler simplemente respondió: “¡Mejorar!”.

Durante la Segunda Guerra Mundial, Wyler sirvió en el Cuerpo Aéreo del Ejército como Mayor. Realizó dos documentales sobre el Cuerpo Aéreo: The Memphis Belle: A Story of a Flying Fortress y un escuadrón de cazas. Durante una de las películas, Wyler estuvo expuesto a un fuerte ruido que lo dejó inconsciente. Al despertar, descubrió que era sordo, aunque recuperó algo de audición en un oído. Dejó el servicio militar como veterano discapacitado. Inseguro de poder trabajar, dirigió la película The Best Years of our Lives en 1946. Una película sobre tres soldados que regresaban a casa de la guerra y los problemas que enfrentaron. Una película muy personal para Wyler, por la que ganó un Premio de la Academia al Mejor Director y el premio a la Mejor Película.

En 1959, la película de Wyler, Ben Hur (basada en un libro de Lewis “Lew” Wallace ), obtuvo el récord de más Premios Óscar para una película. El récord se mantuvo hasta 1997, cuando Titanic igualó el récord, y en 2003, cuando El Señor de los Anillos: El Retorno del Rey también recibió 11 Premios Óscar.

Wyler falleció el 27 de julio de 1981 de un ataque cardíaco.

***

Wyler fue miembro de la Logia de Lealtad No. 529 en California.

 

Este artículo fue proporcionado por el hermano Eric C. Steele.

 

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EL ARTE DE LO OCULTO XXV - Sveta Dorosheva

 

EL ARTE DE LO OCULTO XXV

Un libro de consulta visual para el místico moderno

S. Elizabeth

Ediciones Akal, 2024, Madrid

Sveta Dorosheva

(1976)

Sveta Dorosheva es una ilustradora ucraniana radicada en Israel cuya obra se nutre de mitología, cuentos de hadas y símbolos arquetípicos. Su universo visual puede leerse esotéricamente como un tejido de referencias iniciáticas, donde lo oculto y lo visible dialogan en clave ritual.

Rasgos esenciales de su obra

Mitología y folclore universal: Dorosheva integra motivos de culturas diversas (Grecia, Oriente, tradiciones eslavas) en composiciones densas y laberínticas.

Estética de lo oculto: Sus ilustraciones funcionan como mandalas narrativos, con múltiples capas de símbolos escondidos, invitando a la lectura iniciática.

Juxtaposición temporal: El pasado mítico se entrelaza con lo contemporáneo, evocando la idea hermética de la coincidentia oppositorum (la unión de opuestos).

Técnica ritual: Predomina el dibujo a pluma y tinta, medio tradicional que refuerza la sensación de manuscrito alquímico o grimorio.

 

Lectura esotérica

El arte como espejo iniciático: Cada ilustración es un viaje del alma, donde el espectador debe descifrar símbolos ocultos, semejante a la práctica de la meditación sobre emblemas alquímicos.

La multiplicidad de referencias: En obras como las realizadas para la Fantasy: Realms of Imagination de la British Library, Dorosheva incluye decenas de alusiones a mitos y textos sagrados. Esto convierte la imagen en un palimpsesto iniciático, donde el iniciado reconoce las claves ocultas.

El motivo del “search-and-find”: Su estilo de esconder símbolos dentro de la composición recuerda a la tradición esotérica de los mutus liber y los libros de emblemas, donde la verdad se oculta bajo capas de imágenes.

El contraste humano: Dorosheva explora las contradicciones de la naturaleza humana, lo que puede leerse como una reflexión gnóstica: la tensión entre luz y sombra, espíritu y materia.

 

La obra de Sveta Dorosheva puede entenderse como un grimorio visual contemporáneo, donde cada ilustración es un espacio de iniciación. Su estilo convierte el acto de mirar en un rito: el espectador se transforma en lector simbólico, descifrando claves ocultas que lo conectan con la tradición hermética y con la memoria colectiva de los mitos.

  

La obra “El Alquimista” de Sveta Dorosheva, realizada en bolígrafo y tinta, se presenta como un verdadero grimorio visual contemporáneo: un laboratorio simbólico donde la alquimia material se convierte en metáfora de la transmutación espiritual.

Contexto técnico y estético

Medio: Dorosheva trabaja principalmente con pluma y tinta, lo que otorga a la obra un carácter manuscrito, semejante a los antiguos tratados alquímicos.

Estilo: Su trazo minucioso y detallista genera composiciones densas, casi laberínticas, que invitan a la contemplación prolongada.

Atmosfera: El blanco y negro refuerza la idea de secreto y misterio, evocando los grabados herméticos del Renacimiento.

Lectura esotérica

1. El alquimista como arquetipo: Representa al iniciado que busca la piedra filosofal, símbolo de la perfección espiritual. Su figura encarna la disciplina, el aislamiento y la búsqueda interior, resonando con la tradición gnóstica del homo viator.

2. El laboratorio como templo: Los frascos, crisoles y manuscritos no son simples objetos: son símbolos rituales. Cada operación química refleja una operación interior: purificación, disolución, unión de opuestos.

3. El simbolismo de la tinta: La tinta negra es la materia prima: lo caótico, lo informe.

El trazo que ordena la tinta es la opus magnum: la transformación del caos en cosmos.

Así, el acto de dibujar se convierte en metáfora de la alquimia espiritual.

4. Multiplicidad de referencias: Dorosheva suele integrar mitos y símbolos de diversas culturas, creando un palimpsesto iniciático. En “El Alquimista”, esta multiplicidad sugiere que la búsqueda de la luz interior es universal, más allá de tradiciones particulares. 

Elemento visual	Lectura esotérica	Aplicación ritual
Figura del alquimista	Iniciado en búsqueda de la piedra filosofal	Modelo del aprendiz masónico
Laboratorio	Templo interior, crisol espiritual	Espacio ceremonial de transmutación
Instrumentos	Símbolos de los elementos alquímicos	Rubricas sobre fuego, agua, aire, tierra
Tinta y pluma	Materia prima y orden creador	Escritura ritual, planchas iniciáticas
Detalle minucioso	Ocultamiento de símbolos	Ejercicio de contemplación iniciática

La obra convierte la alquimia en acto gráfico iniciático: el alquimista dibujado es espejo del espectador, invitado a transmutar su propia materia interior en luz. En un marco ceremonial, esta imagen puede servir como emblema de la perseverancia y la purificación, recordando que el verdadero oro es el espíritu perfeccionado.

 El arte de lo oculto XXIV

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EL ARTE DE LO OCULTO XXIV - Carolyn Mary Kleefeld

 

EL ARTE DE LO OCULTO XXIV

Un libro de consulta visual para el místico moderno

S. Elizabeth

Ediciones Akal, 2024, Madrid

Carolyn Mary Kleefeld

(1945)

Alquimia (1991)

 

La obra de Carolyn Mary Kleefeld se inscribe en una tradición esotérica que combina poesía, pintura y oráculo, donde el arte funciona como vehículo de transformación interior y revelación de verdades ocultas. Sus textos y lienzos buscan abrir portales hacia lo invisible, proponiendo una alquimia espiritual que une amor, naturaleza y mito.

 

Claves Esotéricas en la Obra de Kleefeld

1. Alquimia y Transformación

En libros como Immortal Seeds y The Alchemy of Possibility, Kleefeld utiliza el lenguaje alquímico para describir el tránsito entre amor, pérdida y renacimiento. La metáfora alquímica no es meramente estética: representa la transmutación del dolor en compasión y del vínculo humano en fenómeno universal.

 

2. Oráculo y Sincronicidad

The Alchemy of Possibility funciona como un oráculo literario, semejante al Tarot o al I Ching. Cada capítulo es un “arquetipo de posibilidad”, invitando al lector a consultar la obra como si fuese un espejo de su destino.

Este uso del azar y la sincronicidad conecta con la visión de Jung: el arte como mediador entre lo consciente y lo inconsciente colectivo.

 

3. Naturaleza como Templo

En Wilderness Muse, Kleefeld describe su vida en Big Sur como un rito de comunión con lo natural.

La naturaleza se convierte en santuario y espejo del alma, donde cada paisaje es símbolo de fuerzas invisibles y cada experiencia es un acto ritual.

 

4. Unión de Poesía y Pintura

Su obra integra palabra e imagen en la tradición de ut pictura poesis (“como la pintura, así la poesía”). Esta fusión busca activar múltiples planos de percepción, permitiendo que el lector-espectador experimente la obra como un mandala de significados.

 

“Immortal Seeds: Bearing Gold from the Abyss” de Carolyn Mary Kleefeld es una obra profundamente esotérica que entrelaza poesía y pintura para narrar el tránsito iniciático del amor humano hacia su dimensión trascendente. El texto se convierte en un ritual alquímico donde la unión, la pérdida y la compasión se transforman en símbolos de eternidad.

 

1. Alquimia del Amor

El título mismo sugiere la semilla inmortal como metáfora alquímica: del “abismo” del dolor surge el “oro” espiritual. El amor conyugal se convierte en materia prima de la transmutación: de la unión carnal a la unión universal.

La obra muestra cómo la pérdida se convierte en catalizador de compasión y gracia, siguiendo el principio hermético de solve et coagula (disolver y recomponer).

2. El Viaje Iniciático

La estructura del libro –poemas acompañados de pinturas- funciona como un camino ritual. Cada poema es un peldaño en la escalera iniciática: del éxtasis inicial al descenso en la sombra, y finalmente a la iluminación.

La obra se asemeja a un libro de horas interior, donde el lector participa en la liturgia del amor y la muerte.

3. Símbolos Visuales

Las 27 imágenes en color y los dibujos en tinta actúan como mandalas iconográficos.

La pintura no ilustra, sino que invoca arquetipos: unión de almas, tránsito del dolor, apertura hacia lo eterno. Esta fusión de palabra e imagen responde al ideal esotérico de la ut pictura poesis, donde el arte es un espejo del alma.

 

Immortal Seeds puede leerse como un rito de paso esotérico:

Unión (amor humano) → Pérdida (abismo) → Transmutación (oro espiritual) → Eternidad (semilla inmortal).

Kleefeld convierte su experiencia personal en un arquetipo universal, donde el amor no muere, sino que se transforma en fuerza cósmica.

 

Rapsodia de los elementos (2012)

 

Rapsodia de los elementos puede leerse como un mandala esotérico donde los cuatro principios clásicos —Tierra, Agua, Aire y Fuego— se entrelazan en una sinfonía ritual. La obra funciona como una invocación poética y visual que transforma la naturaleza en liturgia.

 

Claves Esotéricas de Rapsodia de los elementos

1. Unidad en la Diversidad

La palabra rapsodia sugiere una composición musical hecha de fragmentos diversos.

En clave esotérica, cada elemento es un “fragmento” del cosmos que, al unirse, genera armonía universal. La obra propone que la multiplicidad de fuerzas naturales se reconcilia en un canto único.

2. Los Cuatro Elementos como Arquetipos

Tierra: estabilidad, fecundidad, lo material.

Agua: purificación, tránsito emocional, lo lunar.

Aire: intelecto, comunicación, expansión.

Fuego: transformación, energía vital, iluminación.

Cada uno aparece como un “instrumento” dentro de la rapsodia, aportando su timbre y resonancia.

3. Dimensión Ritual

La obra no es solo estética: es un acto ceremonial.

El lector/espectador participa en una invocación, donde los elementos se convierten en guardianes y fuerzas vivas.

La rapsodia es un canto iniciático, semejante a un himno masónico o alquímico.

4. Eje Central

Como en otras obras simbólicas, el centro funciona como axis mundi: el punto donde los elementos se cruzan.

Allí se manifiesta la unidad cósmica, la reconciliación de los contrarios y la ascensión espiritual.

 

Rapsodia de los elementos es una liturgia visual y sonora: cada elemento es un verso, cada símbolo un acorde, y el conjunto una invocación a la totalidad. La obra enseña que la naturaleza no es fragmentada, sino un coro iniciático donde el espíritu encuentra su reflejo.

 

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 El arte de lo oculto XXIII                                  El arte de lo oculto XXV

Audie Leon Murphy

 

Audie Leon Murphy

20 de junio de 1925 – 28 de mayo de 1971

Kingston, Texas – Roanoke, Virginia

 

Fue un soldado y actor estadounidense.

Asistió a escuelas locales y las dejó en quinto grado para ayudar a mantener a su familia. El padre de Murphy los había abandonado, dejando a su madre a cargo de sus doce hijos. Murphy trabajó recogiendo algodón y aprendió a manejar un rifle con destreza. Cuando su madre falleció en 1941, a los dieciséis años, Murphy utilizó su habilidad con el rifle para ayudar a alimentar a sus hermanos.

En diciembre de 1941, cuando Estados Unidos entró en la Segunda Guerra Mundial, Murphy estaba listo para alistarse. Inicialmente, todas las ramas de las fuerzas armadas lo rechazaron por ser menor de edad y tener bajo peso. En 1942, la hermana de Murphy falsificó una declaración jurada sobre su edad y fue aceptado en el Ejército.

Tras su entrenamiento en Fort Meade, fue enviado al norte de África en 1943. Allí participó en el entrenamiento y la preparación del asalto aliado a Sicilia. Desde su llegada al norte de África en 1943 hasta enero de 1944, ascendió rápidamente de rango hasta alcanzar el grado de sargento mayor. Luchó con ahínco en Italia, recibiendo medallas y condecoraciones a lo largo de su recorrido.

En 1945, estando en Francia, protagonizó uno de sus momentos más memorables y heroicos de la guerra. Una unidad alemana impactó directamente un cazacarros M10, obligando a su tripulación a abandonarlo. Murphy ordenó a sus hombres que se refugiaran entre los árboles mientras él subía al M10 y, usando su ametralladora calibre .50, contuvo el avance alemán durante más de una hora. Solo abandonó el M10 cuando se quedó sin munición. Al regresar a los árboles con su unidad, herido, ordenó a sus hombres contraatacar. Permaneció con ellos mientras le curaban la herida. Por sus acciones ese día, a los 19 años, Murphy fue condecorado con la Medalla de Honor.

Murphy fue el soldado más condecorado de la Segunda Guerra Mundial. Entre sus galardones se incluyen honores de Francia y Bélgica por su actuación en la guerra.

Entre 1948 y 1969, Murphy desarrolló una carrera como actor. Participó en 40 películas y una serie de televisión. Si bien la mayoría de sus películas eran del género western, también protagonizó la adaptación cinematográfica de sus propias memorias. Tanto el libro como la película compartían el mismo título: «Al infierno y de vuelta».

Durante el resto de su vida, Murphy sufrió de trastorno de estrés postraumático debido a lo que vivió en la guerra. Una de sus esposas, con quien se casó dos veces, afirmó que él solía llorar al ver noticieros sobre huérfanos de guerra alemanes, probablemente por la culpa que sentía por sus acciones durante la guerra.

Murphy falleció cuando el avión privado, del que era propietario pero que no estaba pilotando, se estrelló en Virginia en medio de un mal tiempo.

 

Murphy era miembro de la Logia North Hollywood No. 542 en North Hollywood, California.

 

Este artículo fue proporcionado por el Hermano Eric C. Steele.

 

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Monstruos, demonios y maravillas a fines de la Edad Media

 

Monstruos, demonios y maravillas a fines de la Edad Media

Claude Kappler

X

Este grabado de Sebastian Brant, Das Narrenschiff (La nave de los necios, 1494) corresponde al capítulo “Von schatz fynden” (Sobre encontrar tesoros) y es un ejemplo claro de la sátira moralizante que caracteriza la obra.

Elementos principales

Figura del necio: lleva la típica capucha con cascabeles, símbolo de la insensatez. Se inclina hacia el suelo buscando objetos, convencido de que lo hallado es un don divino.

Demonio alado: aparece a su lado, interactuando con él, reforzando la idea de que la codicia y la ceguera espiritual abren la puerta al engaño diabólico.

Paisaje urbano al fondo: edificios y murallas sugieren que la necedad no ocurre en aislamiento, sino en la vida social y comunitaria.

Texto rimado en alemán: advierte que quien encuentra algo y lo toma como regalo de Dios, sin importar a quién pertenece, es un necio engañado por el diablo.

 

Significado simbólico

Crítica a la codicia: Brant denuncia la apropiación indebida y la ilusión de riqueza como vicios que ciegan al hombre.

El demonio como cómplice: simboliza la corrupción espiritual que acompaña la necedad.

Función pedagógica: la imagen y el verso transmiten una enseñanza moral clara: no confundir azar o hallazgo con providencia divina.

Estilo satírico: Brant combina humor, caricatura y moral para instruir a su público.

EL ARTE DE LO OCULTO XXIII - Ann McCoy

 

EL ARTE DE LO OCULTO XXIII

Un libro de consulta visual para el místico moderno

S. Elizabeth

Ediciones Akal, 2024, Madrid

Ann McCoy

(1946)

Daemon est Deus Inversus, 1980. 

Ann McCoy es una artista contemporánea cuya obra se articula como un verdadero tratado alquímico visual: sus dibujos y proyectos despliegan las fases de la opus magna (nigredo, albedo, rubedo) y convierten el arte en un proceso iniciático de transformación espiritual. Su lenguaje plástico se nutre de símbolos herméticos, mitología y sueños, configurando un mapa esotérico donde lo femenino y lo invisible ocupan un lugar central.

 

Ejes esotéricos en la obra de Ann McCoy

Alquimia como estructura simbólica, trabaja con las fases alquímicas: Nigredo (putrefacción), Albedo (purificación), Rubedo (consumación).

Obras como Ovum Philosophorum y The Red Sea evocan el laboratorio interior donde la materia se transmuta en espíritu.

 

Mitología y transformación, The Death and Transformation of the Monkey King representa la muerte iniciática y el renacimiento espiritual.

La serie Mad Mother explora la maternidad como rito alquímico y arquetipo de lo femenino divino.

Lavando a la madre leprosa en el río Jordán, 2000.

 

El inconsciente y lo onírico, McCoy se inspira en sueños y visiones, integrando el inconsciente como fuente de revelación. The Night Sea simboliza el viaje iniciático por las aguas oscuras del alma.

El viaje nocturno por el mar, 1979.

 

Símbolos recurrentes y su lectura esotérica

Símbolo	Significado esotérico	Ejemplo en su obra
Ovum Philosophorum	Unidad primordial, germen de la transmutación	Serie alquímica central
Mar/Agua	Inconsciente, matriz de regeneración	The Red Sea, The Night Sea
Madre arquetípica	Poder femenino, matriz espiritual	Mad Mother Series
Animales míticos	Fuerzas arquetípicas, guardianes del umbral	Monkey King

 

Claves de interpretación esotérica

Proceso iniciático: cada obra es un estadio de la alquimia interior, un paso hacia la iluminación.

Unión de opuestos: insiste en la coniunctio, la unión de masculino y femenino, consciente e inconsciente.

Arte como rito: sus proyectos funcionan como rituales visuales, donde el espectador participa de la transmutación.

 

Ann McCoy convierte el arte en un manual alquímico contemporáneo, donde cada obra es un espejo de la transformación espiritual. Su lenguaje esotérico se sostiene en la alquimia, la mitología y el inconsciente, ofreciendo una cartografía simbólica que invita a la iniciación. En clave ceremonial, McCoy se sitúa como heredera de la tradición hermética, pero con una sensibilidad moderna que coloca lo femenino y lo onírico en el centro del proceso de revelación.  

Nigredo, 1981

La obra Nigredo (1981) es un hito en su trayectoria: representa la fase oscura de la alquimia, el descenso al inframundo y la confrontación con la sombra, donde la putrefacción y la muerte simbólica abren el camino a la regeneración espiritual. Es un trabajo profundamente esotérico, nacido de sueños y visiones vinculadas a la tradición gnóstica y alquímica.

Nigredo: en la alquimia, es la primera y más difícil etapa de la opus magna. Simboliza la descomposición, la putrefacción y la muerte iniciática. Es el “sol negro”, la sombra que precede a la luz.

Putrefactio y Mortificatio: aspectos complementarios del Nigredo.

Putrefactio: la materia se descompone, se pudre.

Mortificatio: la conciencia antigua muere, como el rey sacrificado en mitos agrícolas.

 

Origen onírico: relata que la obra surge de un sueño en el inframundo, en la tierra de los Bogomilos, secta gnóstica medieval que veía el mundo como creación del demonio.

Cadáveres colgantes: símbolos de complejos psíquicos no resueltos, que deben ser “limpiados” para la transformación.

El rey muerto: arquetipo de la conciencia dominante que debe morir para dar paso a lo nuevo, evocando a Osiris y los mitos de fertilidad.

Significado esotérico: la obra es un mapa del descenso iniciático, donde la confrontación con la muerte y la sombra abre la posibilidad de renacimiento espiritual.

Nigredo (1981) es más que una obra plástica: es un ritual visual de muerte y regeneración, donde Ann McCoy traduce la alquimia en imágenes oníricas y gnósticas. La pieza encarna el momento más arduo del proceso iniciático: aceptar la putrefacción y la sombra como condición necesaria para la transmutación. En clave esotérica, es un umbral simbólico que invita al espectador a atravesar su propia noche oscura del alma para alcanzar la renovación espiritual.

 

https://annmccoy.com/

 El arte de lo oculto XXII                           El arte de lo oculto XIV

Laicismo

 

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